Máquina Hamlet: Vía crucis con transeúntes - México

Heiner Muller: “La realidad en realidad no me interesa si no está elaborada. Me interesa la elaboración de la realidad y no la realidad misma”. Un aspecto de la dramaturgia de Müller que no ha variado con el paso del tiempo es su consecuente rechazo del naturalismo, sin lugar a dudas de ascendencia brechtiana junto con otra concepción tomada del dramaturgo alemán: la distanciación o extrañamiento. Heiner Müller practica un teatro de transgresión. Trabajo, revolución, sexualidad y muerte son los grandes temas de la poesía dramática de Müller. Sus dramas resultan necesariamente subversivos en sociedades entregadas al hedonismo del mercado senil y pueril y que no pierden de vista la coyuntura económica para los próximos seis meses (después de eso se encuentra el vacío del fin del mundo el cual no nos atrevemos a encarar).

Artillería: “Para nosotros el teatro es presencia. No buscamos representar sino presentar. Buscamos una forma de estar en la vida, de contactar con lo presente y lo ausente. Un dispositivo para hacer presente lo esencialmente humano”.

Diana Fidelia y Rodolfo Blanco

Generar junto con el espectador una reflexión sobre la transformación y pérdida de la condición humana, dada por la posmodernidad. Máquina Hamlet es una obra cuya estructura, en un Vía Crucis de 14 partes o momentos realiza una comparación de Hamlet-Cristo-Transeúnte. Un marcador de turnos digital marca el tránsito por el dolor, el suplicio y la muerte (a nivel ritual y cotidiano). Una escalera metálica es todo lo presente en la escena. Con ella se crean los espacios y tiempos de la puesta en escena. La misma se utiliza como torre, falo, carruaje, madre de Hamlet, paredón de feria, cruz, máscara de Electra, mandíbulas, etc. Sólo hay dos actores sobre el escenario: una actriz que dice todo el texto e interpreta a todos los personajes y un actor en silencio que mueve la escalera.

1 hora

Mexótica 2005 - EEUU/México

Guillermo Gómez-Peña. Actor y escritor. Actualmente vive en San Francisco donde es el director artístico de La Pocha Nostra. Nacido en 1955 y educado en la ciudad de México, llegó a los EEUU en 1978. Su labor pionera en los campos de la actuación, el vídeo, la radio, el performance/instalación, la poesía, el periodismo y la teoría cultural explora temas interculturales, la inmigración, la política del lenguaje, la llamada “cultura extrema” y las nuevas tecnologías. Ha sido galardonado con los premios “American Book Award” y “MacArthur fellow”. Gómez-Peña  trabaja en la radio pública nacional, escribe para periódicos y revistas de los EEUU y México y como editor contribuye en “The Drama Review”. Ha publicado  Warrior for Gringostroika (1993), New World Border (1996), Temple of Confessions (1997) y Dangerous Border Crossers (2000), entre otros.

La Pocha Nostra es una compañía fundada en 1993 en Los Ángeles por Guillermo Gómez-Peña, Roberto Sifuentes y Nola Mariano. Su objetivo principal fue conceptualizar formalmente las colaboraciones de Gómez-Peña con artistas como Sifuentes, James Luna y Sara Shelton Man.  En 1995 La Pocha Nostra se mudó al barrio Mission de San Francisco donde reside desde hace ocho años. A finales de 2001, La Pocha completó el proceso de incorporación y se convirtió en una organización sin fines de lucro. Sus proyectos varían desde el performance unipersonalhasta instalaciones representadas a gran escala, incluyendo vídeo, fotografía en DVD, audio y arte cibernético.

Esta representación se convierte en un diorama viviente en el cual los actores componen alternativamente personas con múltiples niveles que cambian y se construyen constantemente.  Los actores interactúan con el público y se muestran a sí mismos como “primitivos artificiales” altamente estilizados. Al final de la obra, los actores invierten la mirada y salen de los dioramas. Luego, crean “tableaux vivants” con los miembros del público más osados y dispuestos a participar manipulando simbólicamente las posturas de sus cuerpos y añadiendo o quitando vestuarios y utilería a sus personajes improvisados. Así, la distancia entre la audiencia y los actores se elimina por completo.  Mexótica 2005 gira en torno a la fascinación actual de los medios de comunicación con respecto a la hibridez racial, la interactividad extrema y la representación de papeles. La pregunta más importante que está detrás de este proyecto es ¿por qué determinados “otros” y algunas subculturas son demonizadas mientras que otras son idealizadas e incluso, erotizadas?

1-4 horas

Título

Mexterminador vs. Depredador global

Descripción

Gómez-Peña representa el papel de un poeta-brujo que explora el miedo a la inmigración, los efectos negativos de la globalización, la censura y la sexualidad interracial. La obra muestra cómo las fronteras culturales se han ido desplazando al centro mientras que la supuesta corriente dominante se ha visto empujada hacia los márgenes y tratada como desconocida y exótica, situando de este modo a la audiencia en la posición de “extranjeros”. El artista se vale de la palabra hablada, el multilingüismo, el humor y el eclecticismo en el uso de los géneros literarios como estrategias de subversión. Entre sus personajes se encuentran: El Zorro S&M, El Mad Max, El Web-back y el “Travelling Medicine Vato”.

Duración

1 hora

Título

Mi nombre es…  - Argentina

Dramaturga

Anabella Valencia es actriz y autora de las obras Mi nombre es… y Versolari, nominada esta última para el concurso Estrella de Mar de 2001 a la mejor interpretación cómica. Mi nombre es… fue una de las 12 obras seleccionadas para participar en el ciclo “Teatro por la identidad” 2004-2005. Valencia ha actuado en obras escenificadas por toda Argentina y en el “Cuarto Festival Internacional de Monólogos de Puerto Rico” en 2001. Se licenció en Arte Dramático y, en la actualidad, es profesora de teatro para niños y adolescentes en el Centro Cultural Alfonsina Storni en Buenos Aires.

Descripción

Esta obra fue una de las doce seleccionadas de un total de 120 en el concurso “Teatro por la identidad” 2004. En la obra, la actriz representa dos jóvenes diferentes cuyos padres desaparecieron. Una fue criada por sus abuelos y sabe la verdad sobre sus padres. La otra, apartada de sus padres cuando los arrestaron, fue ilegalmente adoptada por una familia de militares que le ocultó la verdad. Los dos personajes hablan por turnos y cuentan sus vidas cuyo grado de divergencia es pequeño y grande a la misma vez. Es el público el que debe decidir si las dos personalidades pertenecen en realidad a dos personas diferentes o, por el contrario, reflejan dos versiones de la misma vida. La obra plantea la posibilidad de que el público argentino lleve en su interior otro yo suprimido por las políticas de ocultamiento y olvido establecidas por parte del gobierno.

Duración

30 minutos

Pirín Pin Pin y sus historias - Perú

Alberto Sánchez.

Muchik Teatro.  Es una  agrupación, con mas de 13 años de actividad en el ámbito nacional, comprendida ésta en la producción, promoción y difusión de sus espectáculos teatrales, la capacitación y la asesoría cultural.  Desde 1996 Muchik Teatro, amplía su acción a Latinoamérica, participando de Encuentros, Festivales y Muestras de Teatro, en Chile, Argentina, Uruguay, Brasil, Paraguay, México, Ecuador, Colombia y Venezuela; realiza un promedio de 2 Giras Internacionales al año.

“Nuestro trabajo se afirma, en la concepción de que el teatro, como todo Arte libera, ampliando nuestro horizonte de visión del mundo, de su entorno, acercándonos, propiciando el diálogo real, la comunicación  en su  verdadero  y democrático ejercicio.”

Esta obra de teatro de títeres trata del Payasito Pirín Pin Pin y su amiga Bailarina, quienes han logrado escapar del Viejo Marionetero, que los hacía trabajar sin atender sus necesidades y los maltrataba; ellos deciden ir por los pueblos del Perú y América a contar su historia.  A modo de epílogo, aparece la Negrita Pastora, que presenta al Titiritero y se inicia el diálogo con el público, se muestran los muñecos, se absuelven las preguntas, es decir es el espacio donde el ínter-actuar con el público, pone a éste en lugar preferencial. 

45 minutos

Prometeo encadenado - Puerto Rico

Aravind Enrique Adyanthaya es dramaturgo, cuentista y director fundador de la Casa de la Cruz de la Luna. Ha recibido premios de dramaturgia de las Fundaciones Jerome y McKnight, así como primer premio en el certamen del Instituto de Cultura Puertorriqueña 2004.  En los Estados Unidos sus obras han sido presentadas por:  el Playwrights´ Center, Intermedia Arts, Red Eye Collaboration, Teatro del Pueblo, The Guthrie Theatre, Pregones y el Public Theater (en su serie de lecturas).  Su primera colección de cuentos, Lajas, un retrato caleidoscópico de su pueblo natal, recientemente ganó el premio de narrativa del PEN Club de Puerto Rico.

Casa Cruz de la Luna. Está localizada en un edificio antiguo en el pueblo histórico de San Germán. El teatro experimental de Casa Cruz de la Luna propone un cuestionamiento continuo de los límites de la representación.  Pasadas producciones incluyen:  Hagiografías (1998-2000) de Aravind Enrique Adyanthaya, Matropofagia (2000) de Mayra Santos Febres, El Licenciado Vidriera (2001) de Cervantes, One, Two, Tres, Cuatro (2002) de Marisa Riviere, Prometeo Encadenado (2001-2003) e Íconos de Vellonera (2004) de Adyanthaya. “Nuestra concepción teatral se basa en una exploración constante de los límites de la representación. Aspiramos a producir obras de valor intrínseco tanto a nivel local como universal, a través de proyectos que abarcan desde puestas en escena experimentales de obras clásicas hasta representaciones contemporáneas.”

Aravind Enrique Adyanthaya

El teatro de la escritura es una forma de poética escénica en el que el acto de escribir se hace espectáculo.  Prometeo encadenado es una aproximación al texto de Esquilo mediante esta escritura escénica.  Lo que empieza como un intento de recrear la tragedia se va convirtiendo en un drama entre percepciones vocales y escritas, el performero y la audiencia, lo humano y la máquina culminando en una salsa semántica de cosas in-trans-traducibles como invitación a revolú (ción).

1 hora y 10 minutos

 Título

O líquido tátil - Brasil

Dramaturgo

Daniel Veronese comenzó su carrera como actor y mimo. En 1985 incursionó en el teatro de objetos, disciplina que lo llevó a crear en 1989 el grupo "El Periférico de Objetos". Su estética, tanto como director como dramaturgo, lo lleva a plantear una mirada particular en el espectro teatral argentino. Es autor de más de veinte títulos y director de más de una decena de obras. Basándose en la síntesis, en la autorreferencialidad del teatro mismo y en lo siniestro, su obra genera una presencia transversal sobre los patrones formales del teatro tradicional. Tiene publicados dos libros que contienen toda su obra: Cuerpo de Prueba, editado por el C.B.C. de la Universidad de Bs.As, (actualmente agotado) y La Deriva, editado por Adriana Hidalgo Editores. Cuenta además con varias publicaciones en editoriales francesas. Sus obras están traducidas al italiano, al alemán, al francés y al portugués. Recibió numerosos premios entre los que se destacan el Segundo Premio Nacional y el Primer Premio Municipal- de Argentina- ambos en dramaturgia.

Compañía

(E)xperiência subterrânea.

Actores

Heloise Baurich Vidor, André Silveira y Olivia Camboim.

Descripción

Esta obra es una comedia ligera que propone al público un rompecabezas alrededor del tema del deseo. Ésta gira en torno a la idea de que las apariencias de un texto puedan parecernos familiares y, sin embargo, es muy posible que éstas nos resulten desconocidas. “Para que exista una experiencia visual interesante es necesario que un objeto se revele como conocido e, inmediatamente, se muestre ante nuestros ojos de modo ofensivo”. El espectáculo está construido a partir de una exploración minuciosa de las fronteras del trabajo del actor a través de los detalles. Asimismo, el escenario está concebido para romper la distancia entre el público y los actores. Los tres actores que se encuentran en escena llevan a cabo una labor comprometida constituida por un conjunto de imágenes que oscilan entre lo cómico y lo sorprendente.

Duración

1 hora

jueves 7 de abril, 5:00 PM & 9:00 PM, Studio Theatre

Título

The Shoes  - Argentina

Dramaturga

Cristina Merelli es directora, escritora y actriz. Es la autora de numerosos dramas además de libros de cuentos y poesía. Más de 20 de sus dramas han sido representados en Argentina y en festivales de Venezuela, Puerto Rico y España. The Shoes, su obra más reciente, participó en el ciclo anual “Teatro por la identidad”; otras son Teléfono (2001), Vengo por el aviso (2002) y Humo de leña verde (2002). Merelli ha recibido muchos premios literarios. El más reciente de ellos es el “National Comic Theatre Contest” de 2001 (Neuquen, Argentina) por su obra La gota que horada la piedra.

Actores

Cristina Merelli

Descripción

En esta obra, Alberto lucha contra las tendencias posmodernas y la economía global para adaptar su tienda familiar de zapatos en Buenos Aires al siglo XXI. Los valores tradicionales del negocio artesanal y con servicio al cliente, junto con la dependencia del cuero proveniente de la famosa industria argentina del ganado, han dejado de ser rentables en la era de la globalización. Alberto se siente acosado por todas partes. Su madre insiste en culpar el mal funcionamiento del negocio a la obtusa negativa de Alberto de aprender inglés. Los caprichos de sus clientes requieren continuos cambios en las instalaciones y los servicios de la tienda. Sus propios hijos le critican su atraso con un español posmoderno lleno de anglicismos y referencias a la cultura norteamericana. La crisis profesional y personal de Alberto roza el absurdo y refleja la crisis sufrida por la identidad nacional argentina, desde la Guerra Sucia hasta la depresión económica de finales del siglo XX.

Duración

30 minutos.

Título

Arquearse - Puerto Rico

Dramaturga

Deborah Hunt. Nació en Nueva Zelanda pero vive en Puerto Rico desde 1990. Ha estado presentando obras originales usando máscaras, marionetas y sombras chinas por todo el mundo por un periodo de 35 años. Hunt es la fundadora y la directora artística de Maskhunt. Sus producciones han recibido apoyo del  New Zealand Arts Council,  NEA  y el Instituto de Cultura Puertorriqueña.  Su obra Despertando a Osiris recibió el premio a la creatividad galardonado por el Círculo de Críticos Teatrales de Puerto Rico en 2002.

Compañía

Maskhunt (Puerto Rico).

Actores

Deborah Hunt y Guie Beeu Guerrero

Descripción

El punto de partida de la obra es la verdadera historia de los miembros de la tribu Hagahai de Papua New Guinea. Tras su primer contacto con el mundo exterior en 1983, se descubrió que los Hagahai portaban en las células de la sangre un virus leucémico que sorprendentemente no les causaba daño alguno. El gobierno estadounidense se apresuró a investigarlo y finalmente recibió una patente de estas células. Este caso de “biopiratería” provocó la discusión de si el material genético debería o no ser tratado como un recurso natural y, en caso afirmativo, qué derecho tiene un gobierno de robar la herencia genética de otro país. Arquearse se inauguró en Sevilla en 2003 y fue presentada como parte del 40 Festival Internacional de Teatro ICP en 2003.

Duración

1 hora

miércoles 6 de abril, 5:00 PM & 9:00 PM, Studio Theatre

Título

Mondongo Scam  - República Dominicana/EEUU.

Dramaturgo

Claudio Mir. Actor, escritor, director y  músico. Se licenció en la Escuela Nacional de Arte escénico en Santo Domingo, en la República Dominicana. También posee un BFA en Artes Visuales en la Escuela de Arte Mason Gross de la Universidad Rutgers. En 1985 fue galardonado con El Dorado al mejor actor dominicano. Mir ha escrito y producido obras para niños, adolescentes y para todos los públicos. Además, es el director-adaptador de la representación de Josefina Baez llamada Dominicanish. Asimismo, Mir ha participado en multitud de talleres internacionales de teatro, entre ellos, el VII taller de la Escuela Internacional de Teatro Latinoamericano y del Caribe (EITALC) en Bolonia, Italia, dirigido por Osvaldo Dragún (donde estudió con Miguel Rubio y Teresa Rally de Yuyachkani); el X Taller de EITALC en Machurrucutu, Cuba (donde estudió con Guillermo Angelelli); el Odin Week en Dinamarca en marzo de 2001; y, finalmente, el International School of Theatre Anthropology (ISTA), dirigido por Eugenio Barba en Sevilla 2004.

Descripción

Mondongo Scam es una representación unipersonal que gira en torno a toda clase de estereotipos. Es una breve descripción de la lucha por sobrevivir de mucha gente que vive y trabaja en los EEUU. La obra es un monólogo sobre los cambios de personalidad que resultarían de la necesidad de usar los documentos personales de otra persona. A través de varias décadas, en un viaje desde el pasado hasta el presente, la obra logra entrelazar nacionalidades, géneros, lugares, edades, verbos y espíritus. La trama transcurre en una sala de justicia donde un trabajador inmigrante latino está siendo juzgado por utilizar tarjetas de la seguridad social y otros documentos que pertenecían a ciudadanos de los EEUU ya fallecidos.

Duración

1 hora

sábado 9 de abril, 5:00 PM & 9:00 PM, Studio Theatre